Feed aggregator

Détresse

new filmkritik - Tue, 02/25/2014 - 09:17

Es ist natürlich nicht so, dass es in der Spassgesellschaft keine Abgründe mehr gäbe – im Gegenteil. Am Himmel der Tag (Pola Beck, D 2012) ist ein Film, der das leistet: zu zeigen, wie eine junge Frau in einen solchen Abgrund fällt. Wie das benennen? Was ist das für ein Zustand? (Mir fällt dazu das französische Wort ‚détresse’ ein.) Die Architekturstudentin Lara (Aylin Tezel), die man beim Herumalbern mit ihrer Freundin und im Amüsierbetrieb des Nachtclubs sieht, hat kurzen Sex mit einem Unbekannten (der in der Disko hinter der Theke steht) – und wird schwanger. Nach einiger Zeit besinnt sie sich ernsthaft: sie will das Kind austragen, ihr Leben auf die Reihe kriegen (was sie schon mal von ihrer vorherigen Umgebung entfernt). Dass aber das Kind nach sechs Monaten sich nicht mehr rührt in ihrem Bauch, darauf ist sie nicht vorbereitet – das stürzt sie in eine Gemütsverfassung, mit der sie nicht umgehen kann. Das ist wie die Schwärze des Nichts. (Es gibt kein „über-lebens-training im abgrund“.)
Besonders stark deshalb die Szene, in der sie ihr totes Kind in einem Körbchen nochmal in die Arme gelegt bekommt, sich von ihm verabschieden kann. Sie muss das Unglück annehmen, sonst kommt sie nicht darüber hinweg.
(Will der poetisierende Titel des Films Bezug nehmen auf dieses Danach?)

Categories: blogs

An Appraisal: Remaking Film Comedy With a Straight Face

New York Times Movies - Tue, 02/25/2014 - 05:00
Many movie fans would barely recognize Harold Ramis, who died Monday at 69, but as much as anyone, Mr. Ramis invented modern film comedy.
    





Categories: dailies

Judge Likely to Dismiss Script Case

New York Times Movies - Tue, 02/25/2014 - 00:59
A federal judge says she is unconvinced of similarities between the movie’s script and one that was written by the lawsuit’s plaintiff.
    
Categories: dailies

Liking Vs Wanting

The Pinocchio Theory - Tue, 02/25/2014 - 00:15

The philosopher Jesse Prinz, in his book Gut Reactions: A Perceptual Theory of Emotion, notes — following research by Kent C. Berridge — that “liking and wanting are actually dissociable and… reside in different neural systems.” At least in the case of rats, “the liking system involves the shell of the nucleus accumbens, the ventral pallidum, and the brainstem region. Wanting involves the dopamine projection system from midbrain to nucleus accumbens.” As a result of this dissociation:

if one creates a lesion in the wanting system of a rat, the rat will not eat. It will starve to death. But if you force the same rat to eat agreeable food (e.g., something sweet) it will display behavior that suggests it enjoys the experience. It likes food, but it doesn’t want food. Conversely, one can stimulate the wanting system to achieve wanting without liking. A rat in this condition will eat everything you give it, including food that it dislikes. It will gorge itself on foods that cause it to display aversive reactions at every bite. Berridge compares this to addiction. Addicts often pursue their drug of choice even after that drug no longer induces pleasure.

Now, leaving aside the sadism of such experiments, and my own lack of knowledge about how much of this can be transferred physiologically from rats to human beings, the comparison of wanting without liking to addiction (or at least, to one sort of addiction) makes a great deal of sense. But what, then, about the reverse? Is there a human analogue for liking without wanting?

I’d suggest that, if wanting without liking is an addictive state, then liking without wanting is an aesthetic one. “Liking without wanting” is more or less what Kant means when he says that aesthetic pleasure is “disinterested.” I am pleased by a certain combination of colors or sounds, by a certain narrative, etc., without being concerned one way or another as to whether whatever is being represented by such colors or sounds or narrative lines exists in actuality. (In many cases, I might well positively not want the thing from whose representation I take pleasure to actually exist — this would be the case with horror novels and films, or with stories about charismatic characters who would certainly harm or kill me were I to meet them in real life). And this may well happen — for me it often happens — in “real life” as well as in the contemplation of works of art (e.g., I might find some person’s sexuality likeable or pleasurable, despite my not having any wish to actually have sex with that person).

The horror of a rat starving to death amidst food it likes, because it doesn’t want to eat is, I think, a good emblem of the aesthetic — or at least of one aspect of the aesthetic. And it explains, perhaps why so many people on the Left have a basically anti-aesthetic stance (“the aestheticizing of politics [i]s practiced by fascism. Communism replies by politicizing art”).

However, I think that we should affirm aesthetics as liking without wanting, if only because this is a good antidote to the bombastic exaggerations of theories of desire. I refer here equally to Lacanian theories of desire as lack, and Deleuzian/Guattarian theories of desire as production. Both sorts of theories of desire take wanting, even when divorced from liking, very seriously — desire is either the labor of the negative or the actual process of production. Both sorts of theories of desire tend to marginalize, or leave little room fo,r nonproductive play — which is to say, they leave very little room for the wayward pleasures of aesthetics, even if they exalt certain great works of art.

We might think here even of someone like Roland Barthes, who exalts works of “bliss” or jouissance while denigrating works of pleasure. Barthes is especially interesting here because he is definitely an aesthete, but an avant-garde modernist one, who only loves art when it is difficult and repellent. Barthes associates the art of which he approves with desire (wanting, even when it is without liking) rather than with the aesthetic state of liking without wanting.

In conclusion, I will note that all three of the attitudes I have been describing have their roots in Kant. Desire as lack or negativity comes of course from Hegel, who erects his system by abusively revising the Transcendental Dialectic in Kant’s First Critique. Deleuze & Guattari’s theory of desire producing the real comes directly (as they themselves note) from the Second Critique. Both of these positions emphasize wanting; they may both be contrasted with the liking without wanting that, as I have already noted, is theorized in the Third Critique.

Categories: blogs

The Carpetbagger: The Work of a Sound Designer: 4 Days of Recording Breaths

New York Times Movies - Mon, 02/24/2014 - 23:36
On “All Is Lost,” the sound editors tried a sound-alike for the main character’s breathing, but they redid it with Robert Redford’s voice.
    





Categories: dailies

The Secrets of Film Sound

New York Times Movies - Mon, 02/24/2014 - 22:10
Melena Ryzik visits Skywalker Sound and learns how sound designers make movies come to life.
    





Categories: dailies

Harold Ramis, Actor and Comic Filmmaker, Has Died

New York Times Movies - Mon, 02/24/2014 - 21:19
Mr. Ramis starred in films like “Ghostbusters” and co-wrote or directed influential comedies like “Animal House,” “Caddyshack” and “Groundhog Day.”
    





Categories: dailies

The Carpetbagger: The Academy and Diversity, by the Numbers

New York Times Movies - Mon, 02/24/2014 - 18:12
An infographic looks at the Academy’s track record (or lack thereof) on honoring the work of minorities.
    





Categories: dailies

Harold Ramis (1944-2014)

The Daily Notebook - Mon, 02/24/2014 - 17:34

 The beloved actor, writer, and filmmaker has passed away at the age of 69.

The Carpetbagger: Snooki and Squibb? The Season Enters the Silly Phase

New York Times Movies - Mon, 02/24/2014 - 17:18
In years past, this has been the time when contenders go a little cuckoo: when there’s just a few days left for voting.
    





Categories: dailies

Know your Dutch history

africa is a country - Mon, 02/24/2014 - 11:00

Twenty years ago, Teun van Dijk published the book Elite Discourse and Racism, in which he discusses the subtle ways that racial discrimination pervaded Dutch society at the time. To van Dijk it appeared that, as pivotal socializing agents, Dutch families, schools, politicians and media had a great deal of influence on how children came to perceive and interact with ‘other’ people, such as Dutch nationals and immigrants that were not white (many from the former colonies) and people from ‘The Third World’. In an attempt to illuminate these relationships a bit further, van Dijk decided to take a look at how Dutch school curricula dealt with these ‘others’. What emerged from the elaborate study of schoolbooks that followed was that the general portrayal of ‘The Third World’ as well as minorities of color in the country itself was, well, rather incomplete.

Immigrants, for example, were discussed solely as an issue of integration and assimilation. Positive contributions by, or even backgrounds of these people, glared in absence. Centuries of slavery in the former Dutch colonies did not take up all too many pages either.

On the topic of sub-Saharan Africa, van Dijk found that the continent was largely framed as one of poverty, victims, hopelessness and illiteracy (with creepy witch doctors) and juxtaposed against our own modern and wealthy society (with, you know, real doctors). The power dynamics and imperial histories that underpinned contemporary global inequality and poverty seemed of little interest. The global wealth pie, as Dutch history seemed to have it, just happened to have unequal chunks and taste(s) a bit richer in the West. Whoever sliced the sweet thing in our advantage, and with what instruments, failed to make it into the books.

It wasn’t like Dutch imperial history was ignored altogether. But the ways in which the overseas adventures and ‘native encounters’ of the past were selected and represented were just a bit ominous. Though already pretty outdated and charged at the time, terms like “negroes,” “bushmen” and “natives” were pretty common in the curricula. Worse, some books presented the resistance by those who were enslaved or colonized even in negative, disapproving terms. After critically analyzing the types of histories that teachers fed their classes, one of van Dijk’s conclusions was that “Dutch children are not trained to identify and challenge racist attitudes.”

Twenty years since, the country may have introduced a New Canon of Dutch history (2006), but children can still order Bush Negro customs online (until Serginho wrote a post about it), read how to dress up like a “n****bitch” in fashion magazines (until the rest of the world said this was not OK) and rest assured that at least 18% of their population will defend their annual Blackface tradition of Zwarte Piet (and fiercely so).

If there is indeed a direct connection to schools’ history curricula on the one hand and race relations on the other, the question on how far schools and teachers have come in these past twenty years seems a compelling one to ask.

And so we did. We decided to direct it to Maria Reinders-Karg, who has worked as both former school teacher as well as an education specialist at NiNsee (the National Institute for the Study of Dutch Slavery History and its Legacy). In a creative and inventive response to the government’s severe funding cuts for NiNsee, Maria recently founded the educational organization MiraKa.

Particularly focused on primary and secondary schools, MiraKa offers class activities, lesson plans and participatory workshops that deal with those pages of Dutch heritage that may not inspire the utmost of national pride but deserve to be part of class dialogues.

Not surprising given Maria’s background and expertise, slavery and colonialism (as well as contemporary slavery) are central themes in MiraKa’s work. This is because in the Netherlands, Maria says, the sense of resistance against this side of national history has indeed persisted. According to her “it’s a process of acceptance, which we, as a country, are not yet ready for.” “For many school teachers,” Maria explains, “who haven’t been trained to tell these sensitive histories themselves, it remains a difficult story to tell.” And although the new Canon of Dutch History offers a somewhat more balanced view of Dutch heritage, and at least pays some attention to slavery and resistance (in English, it looks like this), most people will have to either purchase this material themselves or go look for it online and in museums, as they are no basic staple in schools.

But the stories of how the Netherlands built itself, where its glorious international adventures have taken it throughout the centuries, and whom it oppressed, enslaved and brutalized in the process deserve to be part of the staple. According to Maria, “it is important that the Dutch slavery history gets anchored in history curriculums the same way that the Second World War is,” so that it will become a ‘shared’ history, carried by all. “In the Netherlands, we are all a product of this history,” she says. (Despite the fact that no other country handed over as many Jewish people as rapidly as the Netherlands, Dutch cooperation with the Nazis is often neglected in a simplified narrative of bad Germans versus good Dutch people.)

MiraKa is one of the organizations that constructively, positively and pro-actively works towards making this legacy a shared one. For more information about MiraKa’s activities, programs, readings and heritage tours (for both children and adults), take a look at the website.

The Embarrassed Modern Hindu (Upper Caste Man)

kafila - Mon, 02/24/2014 - 09:38
Perhaps the clearest statement on what exactly it is in Wendy Doniger’s work that bothers some people – and who these people are – is outlined in Jakob De Roover’s empathetic account of the imagined ‘Hindu boy with intellectual inclinations’ born in the 1950′s.  This boy grows up going to the temple, hearing stories about Bhima’s […]
Categories: blogs

Jim Jarmusch Rated

the psycholpathology of everyday life - Sun, 02/23/2014 - 23:35
speaking of vampires...it's slightly suspicious that Jarmusch
has looked exactly the same for the last 30 years...I saw the new Jim Jarmusch movie yesterday and very much enjoyed it. Jarmusch is always pretty hit and miss but I thought this most recent one, Only Lovers Left Alive, was a welcome return to form. Its a vampire movie and apart from Let The Right One In and the early seasons of Buffy I've never been a big vampire movie fan. Still I liked this one which is very much in the tradition of Tony Scott's The Hunger and Neil Jordan's Byzantium. Anyway here's my assessement of the Jarmusch filmography rated A through F. If you think any of these grades is particularly harsh or mistaken please let me know...

Permanent Vacation (1980) B            
Stranger Than Paradise (1984) B+
Down by Law (1986) B+
Mystery Train (1989) A
Night on Earth (1991) C
Dead Man (1995) A
Ghost Dog: The Way of the Samurai (1999) A
Coffee and Cigarettes (2003) D
Broken Flowers (2005) F
The Limits of Control (2010) B
Only Lovers Left Alive (2014) A
Categories: blogs

James Agee: All there and primed to go off

observations on film art and filmart - Sun, 02/23/2014 - 14:12
Monsieur Verdoux (1947). I guess I don’t really like criticism, including my own. James Agee, 1950 DB here: This essay follows on from two previous installments, here and here. In 1944 a thirty-five year old man wrote about a fourteen-year-old girl he saw in a movie. She strikes me, however, if I may resort to [...]
Categories: blogs

The Congolization Movement

africa is a country - Sun, 02/23/2014 - 14:00

On January 17th, a group of local artists (Pitcho Womba Konga, Fredy Massamba, Badi Ndeka, Caroline Dujardin, Kamanda Milele, Lety Kangaka, Jack Rémy, Karim Kalonji, Christian Levo, Malkia Mutiri and myself) pulled off “the Action” in L’Horloge Du Sud, better known as the Afro-European cultural spot in the center of Brussels. The date was chosen carefully to launch the “Congolization” artistic movement while remembering the assassination of Patrice Lumumba (he was murdered by a conspiracy of the Belgian and American governments along with General Mobutu). Pitcho Womba Konga, myself and all our cultural partners wanted to promote more than ever spaces where artists related to the Congolese diaspora could freely tell their side of the story.

Three main attractions were in place :

1. The photo exhibition “Faits Divers, from Leopoldville to Kinshasa” with mixed photos from my selection and from the Royal Museum for Central Africa’s collection to help Belgo-Congolese communities deal with their past and move forward.

2. While remembering the 53rd anniversary of Patrice Lumumba’s assassination, we celebrated in our own way his universal legacy with a vibrant actualised version of Lumumba’s famous June 30th, 1960 independence speech. The words of that speech were personified by black, white and mixed-race actors. We concluded the “new” speech by paying homage to Nelson Mandela and all the freedom fighters with the call and response “Amandla !”, “Awethu!” Watch a video of “The Action”:

3. Afterwards, Badi Banx and Fredy Massamba moved the crowded L’Horloge Du sud with their thematic related songs. In the video “The Action” (above), beside extracts from the speech, you can hear Fredy’s call for “Unity” in Africa. The N.G.O. Coopération Education Culture (CEC) had installed an audio system with many headphones allowing anyone to listen to extracts from books recently written by Africans or/and about Africa.

“Congolisation” is a movement that joins forces with Africans and Europeans interested in allowing each one to tell freely her/his version of a story. In other words, The Action that took place on January 17, 2014 at L’Horloge Du Sud marked the importance of shining a cultural new light on the African diaspora in general and the Congolese diaspora in particular.

Can there be a ‘socially responsible’ tea? Ashwini Sukhtankar and Peter Rosenblum

kafila - Sun, 02/23/2014 - 11:30
Guest post by ASHWINI SUKHTANKAR AND PETER ROSENBLUM Almost four years ago, we first traveled to Rungamuttee, a tea estate in the Dooars, so far north that it nuzzles the Bhutan border. The region has recently fallen prey to the craze of “tea tourism,” and the estates jostle for space with eco-green-homestay lodges that lure middle […]
Categories: blogs

Berlinale 2014: Chiisai ouchi / The Little House von Yoji Yamada

dirty laundry - Sun, 02/23/2014 - 11:06
Wie schon 2013 war auch 2014 der letzte aktuelle Film, den ich auf der Berlinale gesehen habe, ein neues Werk des japanischen Klassizisten Yoji Yamada. Anders als Tokyo Family ist The Little House nicht unbedingt ein Meisterwerk; aber doch ein schöner, kluger Erinnerungsfilm. Die Rahmungen (die am Ende auf interessante Art überhand nehmen), bezeichnen die inzwischen auseinandergebrochenen Familienbanden (eindrücklich vorgeführt in Tokyo Family) sehr beiläufig, ganz eigentlich erst im Kontrast mit der noch eng verbundenen Hausgemeinschaft der Rückblende.

Der Schließung der Hausgemeinschaft, um die es geht - eine junge Frau, die sich in ihrer Ehe unwohl fühlt, eine Affäre mit einem Kollegen ihres Mannes beginnt; der Mann, der nichts ahnend sich ausgerechnet für die Verheiratung des Liebhabers seiner Frau zuständig fühlt; schließlich die Erzählerin der Geschichte, die Großtante, die bei dem Ehepaar als Hausmädchen angestellt ist - entspricht die Schließung der melodramatischen Form. (Und demenstprechend laufen die in der Gegenwart angesiedelten Rahmungen ins Offene aus...) Die Erzählführung ist hochökonomisch; die Jugendzeit der Großtante im Norden Japans wird durch eine einzige Einstellung im meterhohen Schnee repräsentiert, fast unmittelbar danach wechselt der Film in das "kleine Haus", das er dann kaum noch einmal verlässt.

Nostalgisch ist wenig an der Rückblende, die sich als Erinnerung der uralten Großtante entfaltet, die allerdings, auch da sind die schachtelartigen Rahmungen sehr klug gewählt, gleichzeitig den ganzen Film über schon tot ist - fast scheint mir, dass alle Nostalgie auf den etwas außerweltlichen knallroten Glanz der Dachziegel des Hausdachs verschoben ist. Die Rückblende setzt ein während der frühen Phasen des Pazifikkriegs und endet (zumindest fast) mit der Bombardierung Tokyos, die wiederum in einer einzigen Einstellung repräsentiert wird; in einer ziemlich sonderbaren Einstellung, genauer gesagt, in der dieser sonst ganz besonders deutlich (nämlich durchaus im Sinn eines Aufrufens von klassischen Frauenmelodramen; zum Beispiel der Filme Mikio Naruses) am klassischen japanischen Erzählkino orientierte Film plötzlich für einen kurzen Moment in ein modernistisches Register zu wechseln scheint.

Nostalgisch ist wenig an dem Film, weil die Großtante in ihrer Erinnerung nicht die Vergangenheit (und damit den Militarismus) verklärt, sondern ihre höchstpersönlichen Erfahrungen gegen die Geschichte setzt. Der Großneffe, der der innerdiegetische Adressat der Erzählung (aber vielleicht der Co-Autor der Rückblende?) ist, wirft ihr genau das einmal vor: Du kannst nicht über Deine Jugend als eine glückliche Zeit sprechen, wenn parallel dazu die Gesellschaft faschistisch wurde und brutale Vernichtungskriege in China geführt wurden. Die Rückblende allerdings ist klüger, sowohl als die Nostalgie der Großtante, als auch als der Vorwurf des Großneffen: In ihr werden die Rituale und Alltagskonventionen des japanischen Faschismus, die "Banzai!"-Rufe, das Japanfahnenschwenken, das Marschliedergegröhle nicht etwa verborgen; sie nehmen im Gegenteil viel Platz ein im Film, werden aber konfrontiert mit Gesten der Intimität, die mit ihnen absolut unvereinbar sind - weil sie sich jeder Verallgemeinerung und Vergemeinschaftung entziehen: ein Kniff in den Oberarm, ein verstohlener Blick, eine gestreifte Berührung im Vorbeigehen. Und im Zentrum ein Begehren, das noch nicht einmal in solchen Gesten sich entäußern kann, weil es sich selbst nicht erkennt.
Categories: blogs

Terrorized By The Past: Janaki Nair

kafila - Sun, 02/23/2014 - 07:29
Kafila normally does not carry guest posts that have appeared elsewhere, but I think JANAKI NAIR’s article from The Telegraph needs to be read widely - a scholarly, lively, feminist take on sexuality in Hindu traditions. It is our good fortune that our knowledge of Hinduism does not come from the authorized versions that Dina Nath Batra […]
Categories: blogs

Come On, Marines!, Henry Hathaway, 1934

dirty laundry - Sun, 02/23/2014 - 00:32
Der Film beginnt an Bord eines Schiffes. Die Marines unterhalten sich, kurz bevor sie Landgang haben, über Frauen. Die den ganzen Film über "dames" genannt werden. Ein Soldat besitzt ein Notizbuch, in dem Telefonnummern der "dames" notiert sind. Es wird ihm abgenommen, herumgereicht, belacht, durch eine Luke aus dem Mannschaftsraum an Deck geworfen. Die Dinge werden in Bewegung gebracht.

Der Soldat, mit Namen Lucky, schwört in der Hängematte den dames ab, bei einer will er aber eine Ausnahme machen, er betrachtet die Fotografie eine Blondine, von der aus in die eindrücklichste Einstellung des Films überblendet wird: Dieselbe Blondine tanzt in einem Nachtclub, sie trägt ein enges, an den Seiten halb offenes, halb kompliziert verschnürtes Kleid. Der Tanz ist in durchaus aggressiver Manier auf die Kamera ausgerichtet und dauert ziemlich lange - in einem Film, in dem ansonsten nichts besonders lange dauert. Grace Bradley, die die Tänzerin spielt, war vor ihrer Hollywoodkarriere tatsächlich Nachtclubtänzerin; in Come On, Marines! scheint die Transformation von Bühnenattraktion zu Filmstar noch nicht ganz gelungen zu sein. Oder vielleicht sind die Avancen, die sie der Kamera macht, einfach nur ganz normale precode madness.

Nach dem Tanz taucht sie nur noch in einer weiteren Szene auf: Während einer Taxifahrt, gemeinsam mit Lucky. In das Gespräch der beiden mischt sich immer wieder der Fahrer ein: Spud McGurke, gespielt von Roscoe Karns (der 150 imdb-credits hat, unter anderem war er in His Girl Friday; ich erinnerte mich jedoch auf Anhieb nur an eine schöne, kleine Rollen in Dwans The Inside Story), nominell second fiddle to Lucky, eigentlich das Zentrum des Films. Wo Lucky den dames eigentlich schon abgeschwört hat, springt Spud auf alle Attraktionen an, am liebsten mit einem dummen Spruch. Freundliche Toleranz für Leute, die für alles einen dummen Spruch parat haben: Das gehört mindestens so sehr zum precode-Kino wie die erotischen Freiheiten. Spud lässt sich von Lucky überreden, ebenfalls bei den Marines anzuheuern, und entwickelt sich da sofort, ohne, dass der Film das irgendwie plausibilisieren müsste, zum "besten Mann der Einheit" (Lucky selber hatte, glaube ich mich zu erinnern, zwischendurch irgendwelche Probleme mit Vorgesetzten; in vielen Details wird diese Nacherzählung sowieso fehlgehen).

Ohne, dass der Film ums bisher Geschehene (genauer gesagt: um die Tänzerin) viel Aufhebens macht, wechselt der Film auf die Philippinen, wo die Marines eine Gruppe von Kindern vor Banditenhorden zu beschützen haben. (Tatsächlich hat Hathaway also zwei Filme über die ansonsten kaum einmal im Kino verhandelten amerikanischen Kolonialkriege auf den Philippinen gedreht; der zweite, sehr viel ernster gemeinte, ist The Real Glory von 1939). Es gibt eine schöne Totale vom Camp der Truppe, in dem Soldatisches und Zivililes ununterscheidbar ist - weil alles von Schlamm überzogen wird und einen grundsätzlich improvisierten Eindruck macht.

Es stellt sich dann bald heraus, dass es sich bei den Kindern nicht um Kinder, sondern um junge Frauen handelt, um Töchter reicher Eltern genauer gesagt (eine eigene Untersuchung wert: die aristokratische Schlagseite des Hathaway-Kinos), die das Ganze eher als ein Ferienlager zu begreifen scheinen. Viel Zeit nimmt der Film sich erst für eine Totale des Badesees, in dem die Frauen schwimmen, dann für die Soldaten, die staunend am Rand stehen, nicht an sich halten können und, noch uniformiert, ins Wasser springen, die kichernden Mädchen bedrängend. Zwar gibt es dann auch Sprünge in Nahaufnahmen, aber grundsätzlich bleibt das ein Panorama, ein Wimmelbild: Lagune, Mädchen in Unterwäsche, horny Soldaten. Lucky spielt sich dann allerdings erstmals als Aufpasser auf, ruft zur Ordnung.

Im Verlauf dieser ausgedehnten Szene hat Ida Lupino ihren Auftritt. Als schließlich alle anderen, aufgrund drohender Gefahr, das Wasser verlassen haben, bleibt sie stur zurück, und ist ab sofort Luckys girl. Erst nur widerspenstig natürlich, später wird sie zum Hilfssheriff, hilft ihm, die nicht still zu stellenden Marines von den alles andere als unwilligen Frauen fern zu halten. Verglichen mit der robusten Tänzerin wirkt Ida fragil, puppenartig, dazu passen ihre allzu gerade aufgemalten Augenbrauen. Bald ist auch Ida evakuiert, es gibt dann eine schöne Szene im Innern eines Hauses, in der es vor allem darum geht, dass sich die Frauen anziehen und sich über die Männer unterhalten. Bis auf Ida bleiben sie allerdings alle Stichwortgeberinnen, unterschieden sich vor allem in ihren Frisuren.

Im Weiteren geht es um den Kampf gegen die Banditen. In dessen Verlauf gibt es eine wunderbare Szene, in der die Soldaten, um die Feinde zu narren, die Kleider der Frauen anlegen (Spud trägt ein dunkles Kleid, fühlt sich darin sichtlich wohl); und die Frauen schlüpfen währenddessen in Männerkleidung. Noch schöner ist die Szene, in der beide Gruppen wieder in ihre alten Rollen zurückkehren: Gefilmt ist das in einer Totalen, in der Mitte der Leinwand trennt eine Art Mauer die Geschlechter, die Männer und Frauen werfen sich gegenseitig ihre Kleidung über diese Mauer hinweg zu.

Sehr nebenbei erledigt sich das Banditenproblem, Lucky und Ida heiraten, Spud fährt wieder das Taxi, im identischen Framing wie in der früheren Filmszene. Das Paar will zur Kirche, Spud möchte sie lieber zum Standesamt kutschieren, da er sich (wie ebenfalls in der vorherigen Szene) andauernd von der Straße abwendet, baut er fast einen Unfall, der Wagen kommt, in einer der rumpligeren Pointen dieses wundervollen Films, direkt auf einer Kirchentreppe zu stehen.
Categories: blogs

Berlinale 2014: A Dream of Iron von Kelvin Kyung Kun Park

dirty laundry - Sat, 02/22/2014 - 11:31
Ein Film, mit dem ich erst nicht allzu viel anfangen konnte, der aber seither nicht so recht Ruhe geben will in meinem Gedächtnis. Von Kelvin Kyung Kun Park hatte ich schon einmal einen Film gesehen, im Jahr 2011, ebenfalls im Forum, der komischerweise einen sehr ähnlichen Titel trägt: Cheonggyecheon Medley - A Dream of Iron. Da ging es um ein Stadtviertel in Seoul, das durch eine Vielzahl kleiner Elektroläden und vor allem Werkstätten geprägt ist. Oder war, es scheint da große Umstrukturierungsmaßnahmen gegeben zu haben, ich erinnere mich an eine eindrückliche Sequenz gegen Ende des Films, in der den chaotischen, ölverschmierten, schweißtreibenden selfmade-Technologien ein steriles, von kaltem Licht durchflutetes Bürogebäude entgegengestellt wurde. Besonders subtil war das, wie auch der Rest des Films, nicht; aber manchmal ist halt auch die Welt nicht besonders subtil. Dass Cheonggyecheon Medley - A Dream of Iron einen interessanten Aspekt der Welt zu fassen bekommt, war mir ein Jahr später noch einmal klar geworden: Kim Ki-duks fürchterlicher Pieta spielt über weite Strecken in demselben Stadtviertel, aber fast dieselben Bilder, die bei Park noch auf Erfahrungswerte verweisen, gerinnen bei Kim zu fadem Kunsthandwerk. Cheonggyecheon ist in Pieta nicht mehr als Folge historischer Veränderungen heruntergekommen, sondern einfach nur verkommen, ein perfektes Setting für grenzfaschistoide Mythenbildnerei.

Aber jetzt der neue Film; dessen Gegenstand bleibt viel opaker. Es geht um Schwerindustrie in einem allgemeineren Sinne, die Maschinenbilder (die den Großteild es Films ausmachen), scheinen vor allem in einem koreanischen Hafenareal gefilmt zu sein. Deutlich stärker als der eher klassisch dokumentarisch ausgerichtete ältere Film (der allerdings auch schon einen Brief enthielt, an den verstorbenen Großvater des Regisseurs) ist der neue A Dream of Iron essayistisch überformt: durch einen Liebesbrief (allerdings im Angesicht des Verlusts der/s Geliebten geschrieben); durch eine historische Passage, die sich mitantiken Höhlenmalereien, aber auch mit Streiks von Hafenarbeitern beschäftigt; schließlich, das bleibt insgesamt am unklarsten, durch Aufnahmen von buddhistischen Ritualen und gigantischen Walen, die mit den Maschinenbildern parallel geschaltet werden. Man könnte das so beschreiben, dass das maschinell Erhabene auf diese Weise um ein religiös und um ein natürlich Erhabenes ergänzt wird. Wie sich das in den restlichen Film fügen soll, ist mir aber nicht ganz klar geworden (dieser sonst eher ärgerliche Text weißt darauf hin, dass der Film ursprünglich als 3-Kanal-Videoinstallation konzipiert war und auch schon so aufgeführt wurde; vielleicht ergibt das Montagekonzept da tatsächlich mehr Sinn).

Der Gedanke aber, die eindrucksvollen, überwältigenden Maschinenbilder, die Park filmt, die etwas obsessives an sich haben, gerade weil sie sich nicht für den Wertschöpfungsprozess selbst interessieren, sondern für die Unwahrscheinlichkeit, die darin besteht, dass solche gigantischen künstlichen Strukturen überhaupt existieren, dass sie sich dann auch noch bewegen und manipulieren lassen; der Gedanke, diese Bilder mit den Höhlenmalereien in Verbindung zu bringen, interessiert mich rückblickend mehr, als er mir im Kino eingeleuchtet hat. Die wilden, gefährlichen, riesigen Tiere wurden, meint der voice over, erst an die Wand gemalt, symbolisch gebannt (und dabei vermutlich ein wenig idealisiert, überzeichnet), nachdem sie erlegt worden waren. Und auch er, Park, kann diesen Film, diesen auf der Tonspur sich gleich mehrmals im Pathoslevel vergreifenden Maschinenporno nur deshalb drehen, er kann diese Maschinen nur deshalb (mit seiner eigenen, vielleicht auch schon ein wenig veralteten Bildmaschine) symbolisch bannen, weil die Maschinen keine echte Gefahr mehr darstellen.

In den 1980ern noch, zeigen Archivaufnahmen, ketteten sich Hafenarbeiter während eines Streiks an einen gigantomanischen Hafenkran (der tatsächlich den Namen "Goliath" trug...), an eines jener Geräte, die vor allem in den Jahren der rücksichtlosen Industrialisierung Südkoreas während der Diktatur Park Chung-hees vielen Menschen das Leben kosteten, besetzen. Nun haben natürlich die Arbeiter vielleicht in einzelnen Streiks gesiegt, die Kontrolle über die Goliaths haben sie nicht errungen; wenn die heute nicht mehr als Schreckensbild taugen, hat das ganz andere Gründe. Park kann seine Bilder nicht mehr in einem triumphalistischen Modus anfertigen; sein Film ist kein Film aus der Perspektive der Sieger, sondern ein zutiefst melancholischer Film, der mindestens soviel über das Verschwinden von historischer Handlungsmacht erzählt, wie über die Schönheit der Schwerindustrie.
Categories: blogs
Syndicate content