annett's blog

While re-searching for »Missing Images« a text by JONATHAN ROSENBAUM crossed my attention which appeared in New Left Review: »The Missing Image - From Cinephilia to the World - The Trajectory of Serge Daney«. We were referring to Serge Daney and his notion of the »the missing image« again and again and Rosenbaum just seemed to echo our sentiments - even though his review is from 2005. However, here is a full version - since Daney's writing is far from being outdated.

»One of the more staggering anomalies about the two most recent compilations of pieces by film critic Serge Daney (1942-1994) is their sizes relative to the years they cover. The volume devoted to uncollected pieces published during Daney’s twenty years at Cahiers du cinéma (not including his many collective, anonymous, pseudonymous, and/or more ephemeral pieces, as well as his interviews with others) weighs in at 574 pages, which is already fairly hefty. But the volume devoted to uncollected pieces written during his first five years at Libération, almost twice as big, is 1040 pages.*

... die Mär von der Verfügbarkeit, Zugriff auf Zeit und Untertitel lesen im Archiv

Es war nicht mehr als eine kühne Idee. Die aber führte zu einer Szene mitten in der Lobby des Interconti, Wien, Viennale, 2004. Jean-Marie Straub und Danièle Huillet waren für einige Tage in der Stadt, um im Filmmuseum über John Ford zu sprechen. Nun sitzen an einem Vormittag im Oktober unter anderem Alexander Horwath, Enno Patalas, Danièle Huillet und Jean-Marie Straub an einem Tisch, was naheliegend erscheint, um über eine mögliche DVD-Edition zu sprechen. Inwischen wird dieses Vorhaben von den Editions Montparnasse, Kinokuniya in Japan und der Edition Filmmuseum nach und nach und sehr sorgfältig realisiert. Eigentlich aber sollte die Herausforderung eine andere sein: Internet. Wir hatten eine Platform im Sinn, wo sämtliche Filme von Straub/Huillet im offenen Codec und bestmöglicher Qualität zum freien Download zur Verfügung stehen sollten, plus Texte und Meta-Texte. Es erschien uns die einzig angemessen konsequente Weiterfühung ihrer kompromisslosen Haltung gegenüber jeder Verfügungsgewalt von Produktions- und Distributionsmittel.

Wir könnten mit dem Ende beginnen, mit den letzten Minuten des Abspanns wo schließlich weiß auf schwarz geschrieben steht, was zuvor mit aller Diffusität und Wiedererkennbarkeit zwischen den Bildern hing. Songtitel, Interpret, Autor, Erscheinungsort - mit diesen vorbeiziehenden Credits, der scheinbaren Lesbarkeit, setzt ausgerechnet einer jener Dylan Songs ein, der eigentlich unmöglich hätte sein müssen. Es geht um "Knockin'on Heaven's Door". 1973 komponiert für Sam Peckinpah's "Pat Garrett & Billy the Kid", zig mal bis zur Schmerzgrenze nach- und wiedergespielt und nun für Todd Haynes von Antony and the Johnsons reanimiert. Keine Gitarren, keine Mundharmonika, nur wenige vorsichtig angeschlagene Tasten auf dem Klavier. Antony Hegarty, der Mann mit der androgynen Eunuchenstimme dehnt Intonation und Tempo bis nicht mehr Gewissheit, sondern eine Frage im Raum steht. Ein Tonfall, der die Haltung des gesamten Films sehr genau trifft: "I'm not There". Erst durch die Verzerrung hindurch wird das scheinbar viel zu bekannte überhaupt wieder hörbar und rührt, durch alle Zeitebenen hindurch, auf eine schwer zu bestimmende Weise an Aktualität.

by James Benning: »About a year ago I took a train from New York to Seattle. I remember it being late October because Dennis was really depressed. Boston had just lost the World Series and in the sixth game they were just one strike away from winning it all. And Clements had such a good year. Dennis is a big Red Sox fan. It should have been their year. And I was depressed too. Not because Boston lost but because the Mets won. Not that I hated the Mets that bad, but because my girlfriend had moved out just before the season ended and moved in with some guy who was a big Mets fan and I couldn’t stand the fact that if the Mets won she would be then be living with a fan of the World Champions. Anyway this happened about a year ago...« That was 1987, now we have RR. And there is a wonderful opportunity to watch all films by James Benning during the already ongoing retrospective in Filmmuseum Munich and a RR location list on new filmkritik

The new wave of (post) porn chic might be already over the top but these events evolved as a coincidence and opened up new aspects. So there was Stephanie Rothman at Viennale to present her retrospective and to speak together with Nina Menkes on a panel labeled Exploitation vs Avantgarde, and there was Good Porn for Good Girls a panel in Berlin during the 2.Porn Filmfestival the next evening with six women directors working in the porn industry, including Audacia Ray (New York) and Ovidie (Paris). We then realized the coincidence as a challenge to connect worlds which might be closer but also more distant as one think, to draw mutual lines between working conditions and gaps of potentialities within obviously male dominated genres as Exploitation or Porn but also to question feminism within these fields.

This film by Adam Curtis explores the origins in the 1940s and 50s of Islamic Fundamentalism in the Middle East, and Neoconservatism in America, parallels between these movements, and their effect on the world today. Out now on DVD but also as download on archive.org. Recommended by dvdbiblog.

»I have no interest in explaining, defending, reinterpreting, or adding to what is there. (...) No one was trying to be audacious, honest to God. We did what we thought we had to do. No one was trying to blow people's minds, or thinking, ›Wow, this'll (tick) them off.‹ People get the impression that you're trying to (mess) with them and it's not true. You're trying to entertain them. (...) Anybody who wants to watch it, it's all there. (...) I don't think about (a movie) much. I never say never. An idea could pop into my head where I would go, ›Wow, that would make a great movie,‹ but I doubt it. I'm not being coy. If something appeared that really made a good ›Sopranos‹ movie and you could invest in it and everybody else wanted to do it, I would do it. But I think we've kind of said it and done it.« (David Chase) See also: An American Family

Though he wasn’t widely known to most moviegoers until 1990’s Reversal of Fortune, serious film enthusiasts have followed the career of Barbet Schroeder for close to half a century. His work as a producer (of nearly all of Eric Rohmer’s witty comedies), director (of films as diverse as Maitresse, Barfly, and Our Lady of the Assassins) and sometime actor (in everything from Queen Margot to Mars Attacks!) has become further variegated with each passing year. Unique even amidst this wildly eclectic filmography is Schroeder’s 1974 “self-portrait” of now-deposed Ugandan dictator Idi Amin, a tyrant who has been credited with the cold-blooded murder of upwards of 300,000 of his country’s citizens. General Idi Amin Dada is clearly the work of the same man who made a black comedy of manners out of social-climber Claus Von Bulow’s trial for the killing of his wealthy, drug-dependent wife—indeed, there’s a lot of comedy in Idi Amin Dada, as we watch this seemingly amiable, thoroughly pompous despot attempt to transform himself into a figure of heroic proportions. But, knowing that this “silly clown” has the power to kill, the laughter catches in our throats.

by Amy Taubin for Criterion

Laurence Cantet hat sich immer für das interessiert, was es den Bildern schwer macht abzubilden. Zuerst war da »Ressource Humaine«, ein Film über die affizierenden und enervierenden Mechanismen innerhalb eines mittelständischen Familienbetriebs in der Provinz. Dann, »L'emploi du Temps«, die Arbeit der Zeit, eine Geschichte über die Anstrengung, eine Farce aufrecht zu erhalten. Und nun geht es um die Beschreibung einer Richtung: »Vers le Sud.« Es geht nicht darum, »den Süden« zu zeigen, sondern es geht um eine Blickrichtung, eine Bewegung hin zum Süden und diese Bewegung stellt sich gleichzeitig dar als ein Begehren.

Kino als Produktionsapparat ist oft zu träge für eine treffende Beschreibung der Gegenwart. Doch eine flüchtige Bewegung im Bild kann einen ganzen Film zusammenhalten oder umschreiben, eine Geste, durch die sich in einem Augenblick alles offenbart, eine Haltung, die mehr erzählt als eine Geschichte. Und mehr noch als die Ausdrucksweisen von Posen, Gesten, Dialogen oder ein Lied mögen es Momente sein in denen jemand aus dem Bild geht, rennt, flieht, eine Grenze überschreitet oder flaniert und ziellos herumspaziert, den Versuch unternimmt, durch das Gehen im Jetzt anzukommen. Wenn Bilder von Abschied und Begrüßung nicht einfach Bilder vom Gehen ersetzen, kann eine Einstellung auf einen sich entfernenden Rücken inmitten einer gängigen Spielfilmdramaturgie die Narration unterbrechen, Leerlauf zulassen oder die Richtung ändern. Gehen als ein Zustand, eine Tätigkeit, ein Für-sich-sein, das auf abstrakte Weise Erzählung bedeutet.

»In February 2004, French-Israeli filmmaker Eyal Sivan filed a libel suit in the Paris courts against philosopher Alain Finkielkraut. The previous year, Sivan, working with Palestinian filmmaker Michel Khleifi, had released Route 181: Extracts from a Palestinian-Israeli Journey—a four-and-a-half-hour travel documentary tracing what remains, in the memories of the landscape and its inhabitants, of the violent expulsion in 1947–1948 of some three-quarters of a million Palestinians from the territory that would become the state of Israel. The film had been aired on the European cultural television channel Arte in November 2003, and a few days later, on November 30, Finkielkraut was interviewed on the French Jewish radio station RJC. In the radio broadcast, Finkielkraut launched an aggressive critique of the film, arguing that its entire meaning rested on a false analogy between Israel’s 1948 war of independence and the Nazi Holocaust, that the film was a “call to murder,” that Arte was guilty of “incitement to hatred,” and that Sivan himself was representative of a “particularly painful, particularly frightening reality—Jewish anti-Semitism."« Read an introduction of the case by Eyal Weizman and Thomas Keenan on Cabinet Magazine. You also find the englisch transcript of the proceedings at the Palais de Justice, Paris.

»For me, the primary function of cinema is to make us feel that something isn't right.« (Pedro Costa)
Seit letztem Jahr gibt es in München ein neues kleines bezaubernd kompromissloses Filmfestival namens Underdox das in diesem Jahr vom 4. - 10. Oktober bereits zwei Kinos bespielen wird, nicht nur das Werkstatt Kino sondern auch das Neue Arena. Das Filmprogramm das die Kuratorinnen und Kuratoren zusammengestellt haben orientiert sich an Kritirien und Entscheidungsfindungen die alles mögliche sein mögen, nur nicht gefällig. Wer nach Titeln sucht, die er schon gehört hat wird womöglich enttäuscht, könnte jedoch einen Film Kosmos entdecken, der jenseits der üblichen Genregrenzen liegt. Und wer zurückblickt auf das Programm vom letzten Jahr wird feststellen etwas verpasst zu haben, was längst zum Kanon eines neuen digitalen Weltkinos gehört, wie z.B. Lav Diaz.

Found at: www.ioncinema.com

Interview: Shane Meadows
By Benjamin Crossley-Marra

This is England is a dose of medicine that doesn’t go down easy.  Rural England circa 1983 is a rough on a child of thirteen years old, socially outcast, with a father that died in the controversial Falklands conflict.  But after falling in with the local skinheads life is looking brighter, there’s parties, girlfriends and all the things a young teen desires, but then there’s violence.

We are very happy to point out that Spike Lee's New Orleans requiem just arrived: »When the Levees broke«. Find below a review by CYNTHIA FUCHS, you could call her a Spike Lee expert, for PopMatters. »›We started listening to the wind,‹ says former New Orleans Police Chief Eddie Compass. ›And that sound, I’ll never forget that sound, the wind hitting the glass, at the Hyatt, and those glasses started breaking. And that’s when you saw the true power of Mother Nature.‹ It’s about 18 minutes into ›When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts‹, and Katrina is just appearing in the streets of New Orleans. As interviewees describe their first impressions of the storm, following a sequence focused on how they ›first heard‹ about its approach in the days before it made landfall, the film shows news footage of driving rain and wind, empty streets and dark skies. It’s the start of an ordeal that continues to this day.

Danièle Huillet: »Man kann Faxgeräte, Computer und so weiter haben, aber es funktioniert wirklich Nichts mehr! Sobald man eine Sache nicht selbst macht sondern delegiert, erlebt man eine organisatorische Katastrophe.« Das Gespräch mit Danièle Huillet und Jean Marie Straub anläßlich ihres Films "Von heute auf morgen" (1997) hat den bezaubernden Titel: »Eine Hexe, die eine Menge Energie verbraucht« und ist nachzulesen auf den Seiten der new filmkritik. Ausserdem ein Text zu: Danièle Huillet - Filmemacherin im Film, ebenfalls bei new filmkritik und beides haben wir Robert Bramkamp zu verdanken.

Hyperproductive filmcritic JONATHAN ROSENBAUM writes an extensive column for cinema scope about global discoveries on DVD for already some years now. He discovered a huge amount of rare, bizarre and wonderful stuff from all over the world, but also reflects on booklets, specials, film history, availability and lately Prices: »A certain confession-cum-apology regarding this column is in order. Because I have a legitimate reason for deducting the costs of the DVDs I buy from my taxes, and a no less legitimate way of requesting and receiving review copies from many DVD labels, I haven’t always been as attentive as I could be about consumer prices, especially when it comes to ordering certain things from abroad. So, by way of partial compensation, this will be a column focusing on prices...« Find below the list of his columns and the respective links.

Filmcritic Robert Cashill had a difficult task, to review a pack of DVD boxes published by Warner Bros. »The task I had been given was immediately complicated by the sheer volume of releases rushing down the pike, not one or two collections per month, but several, for all tastes. True to its scrappy roots, and its more recent history as the first distributor to embrace the decade-old format, the studio was turning up the heat, and fast. WB was rebuking, with a vengeance, its lazier Hollywood rivals, who are still content to squeeze out a vintage catalog release every few weeks or so, or milk a more modern-day hit just one more time (surely Fox's 20th Century legacy extends beyond Revenge of the Nerds: Panty Raid Edition). The largest film library in the world—which, thanks to mergers and acquisitions, contains not just Warner Bros. releases but MGM's pre-1986 titles, RKO and United Artists films, and more—has thrown open its doors, and is in unprecedented circulation.« Read more on www.cineaste.com

Lately one could notice an emerging interest in Balkan Cinema. As in cinema scope Tom McSorley recognizes a New wave from Slovenia and Ronald Bergan from Guardian Unlimited travelled to the Transylvania International Film Festival in Cluj/Romania »to discover the secret behind the great success of Romanian cinema in the last two years which began with the widely acclaimed The Death of Mr Lazarescu and finally, filmcritic and -theorist Andrew James Horton, Dan Georgakas and Angelike Contis did pic up the ongoing debate around the question if there is a Balkan Cinema. They have organized a Filmmakers' and Critics' Symposium and asked the same questions to several directors and ciritcs: »1) To what degree can we speak of Balkan cinema as well the cinemas of specific Balkan countries? (2) What is the single most important issue that makes the biggest professional difference in your life as a Balkan filmmaker? (3) What five Balkan films would you select for wide international distribution?« Read the answers on www.cineaste.com

Ein Beitrag von Cristina Nord auf den Seiten der new filmkritik. »In einer Textcollage, die das Phänomen der „Berliner Schule“ zu erfassen sucht, wurde ich einmal der Gattung der „wohlwollenden Kritikerinnen“ zugerechnet. Das ist in dem Maße richig, in dem meine ersten Begegnungen mit den Filmen von Angela Schanelec, Thomas Arslan, Christian Petzold und anderen mir ein besonderes Glück schenkten. In ihrer Konzentration auf die Form und das Bild, in ihrer narrativen Offenheit, ihrer Entschlacktheit, ihren von Naivität freien Realismusvorstellungen haben diese Filme einen Raum erschlossen, von dem aus sich das in Deutschland produzierte Kino neu wahrnehmen, neu denken ließ. In einer von Beziehungskomödien geprägten Kinolandschaft war das viel wert. Dennoch scheint es mir heute – 14 Jahre nach Schanelecs „Ich bin den Sommer über in Berlin geblieben“, elf Jahre nach Arslans „Kardesler - Geschwister“ – geboten, nicht mehr nur Wohlwollen, sondern auch leise Skepsis zu artikulieren – Skepsis gegenüber Erstarrungen, Wiederholungen, einem gewissen Manierismus vielleicht.... read more

CRISTINA NORD am Set von »Montag kommen die Fenster«

Annette Rosenbaum sitzt auf einer Bank im Flur, gleich neben der Tür, die zum Spielplatz führt. Auf dem Tisch vor ihr steht ein Tablett mit Kaffeetassen, Papiere liegen herum. Aus einem herrenlosen Walkie-Talkie dringt eine Stimme: "Gibt's noch von dem Ingwertee?" Aber das hat nichts mit Frau Rosenbaum zu tun. "Sophia", ruft sie einem Mädchen zu, "geh nicht raus ohne Jacke!" Sophia macht auf dem Absatz kehrt und holt ihre Jacke, bevor sie nach draußen rennt.

Frau Rosenbaum leitet die Landaustraßen-Kindertagesstätte in Kassel. 115 Kinder werden hier in vier Kindergarten- und einer Hortgruppe betreut. Die Kunsthochschule und die Wiesen der Karlsaue sind gleich nebenan. Aber heute ist etwas anders als sonst. Die Eltern mussten Einverständniserklärungen unterschreiben. Vor der Kita steht ein Scheinwerfer. Im ersten Stock sind Kabel auf dem Boden des Flurs verklebt. Eine Kamera des Herstellers Arricam ist auf einen fahrbaren Untersatz montiert. Fast versperrt sie den schmalen Durchgang zwischen dem Treppenabsatz und dem Spielzimmer der Hortgruppe. Eines der Mädchen, Amber Bongard, ist eigens aus Berlin angereist, denn sie ist kein Hortkind, sondern spielt eines.

Die Welt ist feindlich, überall. Modernistische Villen, wütende Ozeane, baumlose Wüsten, verspielte Jugendstilkacheln und nordafrikanisches Geröll machen da keinen Unterschied. Doch gerade inmitten dieser Feindlichkeit zeigt der Mensch in seinen Trenchcoats, Stöckelschuhen, mit seinen Jeans, Sonnenbrillen und Haaren bis zum Arsch seine Würde. Einsam und schön, inmitten der toten, aber sprechenden Kulisse von Rom, London oder der petrochemischen Produktion des Po-Deltas gewinnen die Personen des Michelangelo Antonioni Konturen. Sie sprechen nicht, sie sind die Helden eines stummen Einwands gegen die "verwaltete Welt", wie man sie damals nannte. Und dieser Einwand bestand in schönen Augen und einem entschlossen verzweifelten Blick nach innen.
Dann, im Laufe der 60er, artikulierten sie sich. Sie starrten nicht mehr nach innen, sondern peilten den Horizont an. Den zeigte Antonioni - vom Flugzeug oder vom Auto aus, das einsame Wüstenpisten entlangbrettert - in "Zabriskie Point", einer Reise durch die Idee der Politisierung. Sie beginnt mit Black Panthers, führt über ein gigantisches Love-in in der Wüste und endet in der psychedelischen Apokalypse der Warenkultur, einem der stärksten Bilder jener Revolte: einer zeitlupengedehnten Explosion von Logos und Verpackungen zur Musik der frühen Pink Floyd. Kein anderer 68er-Regisseur hat die viel gefilmte Werbe- und Logokultur so zu einer fast chiliastischen Kapitalismuskritik zugespitzt: nicht Vietnam, nicht der Rassismus, nicht Repression, auch nicht "Konsumterror", wie man damals sagte, sondern: Die Ware selbst ist das Problem. Was gab es danach noch zu sagen?

I am really unable to talk about my life - I don't know my life. I've travelled a lot and this is the life that I have lived, but that doesn't mean that I know myself.« (OS)
Im Jahr 2003 präsentierte das Londoner Magazin black filmmaker den Mann mit der Pfeife im Profil und stellte die Frage „Ousmane Sembene: The World’s Greatest Filmmaker?“ Eine Frage, die einem weißen europäischen oder amerikanischen Publikum wohl kaum in den Sinne gekommen wäre, waren doch die Filme von Ousmane Sembene in vielen Ländern der Erde nicht sehr präsent gewesen seit "Borom Sarret", seinem Debut von 1963. Für ein afrikanisches Publikum mag die Frage entweder rein rhetorisch klingen oder bereits nach Ideologie. In der Tat dürfte es weltweit kaum einen Filmregisseur geben, dessen Rezeption so sehr abzuhängen scheint von der Zusammensetzung eines jeweils nationalen oder kontinentalen Publikums. Es dürfte aber auch nur wenige Künstler geben, die die unterschiedliche Rezeption so bewusst herausforderten.

Das iranische Kino hat sich immer schon stark für Fußball interessiert. Als Abbas Kiarostami 1990 in einer von einem schweren Erdbeben zerstörten Region seinen halb dokumentarischen Film "Und das Leben geht weiter" drehte, ging es darin auch um eine Fernsehantenne und die verzweifelten Bemühungen, das Finale der Fußball-Welmeisterschaft nicht zu versäumen. Text: BERT REBHANDL

Als wären wir inmitten einer Geschichte von Hase und Igel gelandet. Während »We Feed the World« in den Kinos von Österreich Zuschauerrekorde brach, war Nikolaus Geyrhalter mit »Unser täglich Brot« noch in der Postproduktion. Und je nachdem wer später welchen Film zuerst gesehen hat, konnte meinen die Bilder flüstern zu hören: „Ich war schon da.“ Und doch waren sie kaum wieder zu erkennen. Aus einiger Distanz betrachtet, gehen die auffallend vielen österreichischen Produktionen und Co-Produktionen der letzten beiden Jahre, die von Arbeit, Nahrungsmittelproduktion, Kapitalismus und Ressourcenverschwendung handeln, ein viel versprechend konkurrierendes Verhältnis miteinander ein.

»Da ist nichts definiert, da ist alles im Werden begriffen«
(Abbas Kiarostami)

»Ohne Zweifel sage ich zu schnell zu viel gleichzeitig. Aber so ist das mit einem Film. Ein Film ist die Simultaneität einer Abfolge: das Paradox des Kontinuierlichen.« Mit Jean-Luc Nancy, Abbas Kiarostami und dem Verleger Erich Brinkmann treffen drei Experten aufeinander, die Film als etwas begreifen, das über sich hinausweist. Also keine Nerds. Nicht an Filmkritik oder Filmanalyse ist Nancy interessiert, sondern an einer Art Transkription und die orientiert sich vom Stil her an der Flüchtigkeit von Kino, als etwas, das unaufhaltsam vorbeizieht. So erscheint auch Nancys Text erstmal als verdichtete Oberfläche und weniger als ein Ordnungssystem, um etwas in den Griff zu bekommen. Bedruckt sind die Buchseiten allein auf einem breiten Mittelstreifen, 16:9 als Text, während in der Mitte des Buches ein acht seitiges Leporello mit 62 tatsächlichen Bildern den Text von einem Gespräch des Autors mit dem Filmemacher trennt. Da wird nichts bebildert, nichts belegt. Und so esoterisch diese Produktionsweise auch anmuten mag, die Wahrnehmung auf den Text verändert sich zweifellos.

The cover story of Vanity Fair.com features the ultimative success Story of Sopranos. Alongside an interview with creator David Chase. Ten years ago, HBO bought a pilot script for a show that no one—not creator David Chase, lead actor James Gandolfini, or any of the original cast—thought would ever get made. Today, The Sopranos is perhaps the greatest pop-culture masterpiece of its day, a fearless series that has transformed television. With the story of Tony Soprano, mobster in midlife crisis, just nine episodes from a finale, the players behind the phenomenon tell how it all went down. By PETER BISKIND

SPEX September 1991

CLARA DRECHSLER über den "Twin-Peaks"-Kult praecox und die Philosophie seines Regisseurs.
"Ist David Lynch David Byrne?" ("Spy")

http://davidlynch.de/Spextwin.html

Spätestens seit "Kampf gegen die Mafia" ist man von RTL-Serien einiges gewohnt. Die seltsamen Umtriebe des V-Manns Vinnie Terranova brachen allerdings ganz unerwartet über das Fernsehpublikum herein. Nicht so "Twin Peaks", das wie die Simpsons (oder seinerzeit "Miami Vice") bereits zu jedermanns Kultkosmos gehört, ohne das man`s je gesehen hat. Zusätzlich geht jetzt eine eigens von RTL berufene Promoagentur daran, Deutschland über den "schrägen Reiz von Twin Peaks" aufzuklären.

Frauenzeitschriften und Stadtzeitungen raunen schon von berückend schönen Bildern und völlig irrer Handlung und warnen zwischen den Zeilen, das hier sei nichts für die ganz Blöden (obwohl die mit berückend schönen Bildern ja auch noch ganz gut bedient sind). David Lynch, bekannt und beliebt für seine berückend schönen Psycho-Schinken, und Mike Frost, der Drehbuchautor, der ebenfalls, leider mangels Vorarbeit weniger erfolgreich, auf RTL gelaufenen Serie "Hill Street Blues" hatte sich eines Tages gemeinsam die Aufgabe gestellt, das amerikanische Publikum mit einer Soap-Opera mit Mörderjagd zu überraschen, die a) unheimlich Lynch ist und b) ein richtig schöner Straßenfeger alter Schule und in dem c) Lynchs berüchtigtem Musikgeschmack in Form der unvermittelt in einer der berüchtigten Lynchschen Kneipenszenen herumsingenden Julee Cruise Rechnung getragen wird, was ihnen im Handstreich glückte. Die Serie lief in Amerika publikumsgunstkonform in vier Staffeln a sieben Folgen, von denen RTL, gewohnt pragmatisch, nur die unerläßlichen ersten 20 gekauft hat. Danach hatte Agent Cooper ohnehin nur noch arbeitslos in Twin Peaks abgehangen, weil entfesselte Fans gegen die Absetzung der Serie protestiert hatten, indem sie verschimmelte Kirschkuchen (Lieblingsspeise des Ermittlers) an den Sender schickten.

by Ted Hovet
http://www.literarylondon.org/london-journal/hovet.html

<1> Near the end of Stephen Frears’ Dirty Pretty Things, a film released in 2002 and set in contemporary London, three of the primary characters appear in a dank, underground parking garage to hand over an item -- which we know to be a fresh human kidney packed in an ice cooler-- to a well dressed, white Englishman. Upon paying the three a large amount of cash, the man asks, “How come I’ve never seen you people before?” Okwe, the Nigerian immigrant and protagonist of the film, responds: “Because we are the people you do not see.”

<2> In this film, though, we do see them: Okwe, who works around the clock at several menial jobs; Senay, a Turkish immigrant who dreams of joining a sister in the United States; and Juliet, a black prostitute who comes to the aid of the other two with her knowledge of the shady underworld of London. Written for the screen by Stephen Knight, Dirty Pretty Things continually reveals to its viewer people, places, and things that are overlooked or unseen. Okwe and his friends are not intentionally hiding (despite the rather shady exchange described above -- more on the kidney below); they are rendered invisible by their professions, their class position, their race, and their legal status. Populated by the working poor and immigrants from every corner of the world, Dirty Pretty Things attempts to show a side of London far from its iconic landmarks and familiar byways. But the point of the film is that these different “sides” of London are not at all far from each other; despite a powerful tendency to think of them as separate, the experiences of these characters demonstrate that they are interdependent and inexorably linked.

Acclaimed filmcritic und former radio producer Philip French wrote in The Observer about a clever political thriller which re-examines the 'disappearing' of a Moroccan radical in 1965. »Back in the early Sixties, when I was producing a series of radio quiz programmes featuring competing teams of students from both sides of the Atlantic, we used the same warm-up questions each time. One of them was: 'What have the following got in common - Ambrose Bierce, Colonel Henry Fawcett and Adolph Diesel?' In 13 weeks, nobody made the connection. The answer is that they all disappeared without trace in curious circumstances.
Were I to have put the same question some years later, I'd have dropped Fawcett and Diesel for Jimmy Hoffa and Mehdi Ben Barka, both of whom have been the subject of movies, the former in 1992, the latter last year in I Saw Ben Barka Get Killed (J'ai vu tue Ben Barka) which has just reached this country, though it was included in the 2005 London Film Festival. But I wonder how many students today have heard of either, though their mysterious disappearances were once the centre of local scandal and worldwide speculation.