Train Notes

by James Benning: »About a year ago I took a train from New York to Seattle. I remember it being late October because Dennis was really depressed. Boston had just lost the World Series and in the sixth game they were just one strike away from winning it all. And Clements had such a good year. Dennis is a big Red Sox fan. It should have been their year. And I was depressed too. Not because Boston lost but because the Mets won. Not that I hated the Mets that bad, but because my girlfriend had moved out just before the season ended and moved in with some guy who was a big Mets fan and I couldn’t stand the fact that if the Mets won she would be then be living with a fan of the World Champions. Anyway this happened about a year ago...« That was 1987, now we have RR. And there is a wonderful opportunity to watch all films by James Benning during the already ongoing retrospective in Filmmuseum Munich and a RR location list on new filmkritik

Cross the Line

The new wave of (post) porn chic might be already over the top but these events evolved as a coincidence and opened up new aspects. So there was Stephanie Rothman at Viennale to present her retrospective and to speak together with Nina Menkes on a panel labeled Exploitation vs Avantgarde, and there was Good Porn for Good Girls a panel in Berlin during the 2.Porn Filmfestival the next evening with six women directors working in the porn industry, including Audacia Ray (New York) and Ovidie (Paris). We then realized the coincidence as a challenge to connect worlds which might be closer but also more distant as one think, to draw mutual lines between working conditions and gaps of potentialities within obviously male dominated genres as Exploitation or Porn but also to question feminism within these fields.

The Power of Nightmares

This film by Adam Curtis explores the origins in the 1940s and 50s of Islamic Fundamentalism in the Middle East, and Neoconservatism in America, parallels between these movements, and their effect on the world today. Out now on DVD but also as download on Recommended by dvdbiblog.

Goodbye, Tony

»I have no interest in explaining, defending, reinterpreting, or adding to what is there. (...) No one was trying to be audacious, honest to God. We did what we thought we had to do. No one was trying to blow people's minds, or thinking, ›Wow, this'll (tick) them off.‹ People get the impression that you're trying to (mess) with them and it's not true. You're trying to entertain them. (...) Anybody who wants to watch it, it's all there. (...) I don't think about (a movie) much. I never say never. An idea could pop into my head where I would go, ›Wow, that would make a great movie,‹ but I doubt it. I'm not being coy. If something appeared that really made a good ›Sopranos‹ movie and you could invest in it and everybody else wanted to do it, I would do it. But I think we've kind of said it and done it.« (David Chase) See also: An American Family

Last King of Scotland Dada

Though he wasn’t widely known to most moviegoers until 1990’s Reversal of Fortune, serious film enthusiasts have followed the career of Barbet Schroeder for close to half a century. His work as a producer (of nearly all of Eric Rohmer’s witty comedies), director (of films as diverse as Maitresse, Barfly, and Our Lady of the Assassins) and sometime actor (in everything from Queen Margot to Mars Attacks!) has become further variegated with each passing year. Unique even amidst this wildly eclectic filmography is Schroeder’s 1974 “self-portrait” of now-deposed Ugandan dictator Idi Amin, a tyrant who has been credited with the cold-blooded murder of upwards of 300,000 of his country’s citizens. General Idi Amin Dada is clearly the work of the same man who made a black comedy of manners out of social-climber Claus Von Bulow’s trial for the killing of his wealthy, drug-dependent wife—indeed, there’s a lot of comedy in Idi Amin Dada, as we watch this seemingly amiable, thoroughly pompous despot attempt to transform himself into a figure of heroic proportions. But, knowing that this “silly clown” has the power to kill, the laughter catches in our throats.

Same Time, Same Place

Laurence Cantet hat sich immer für das interessiert, was es den Bildern schwer macht abzubilden. Zuerst war da »Ressource Humaine«, ein Film über die affizierenden und enervierenden Mechanismen innerhalb eines mittelständischen Familienbetriebs in der Provinz. Dann, »L'emploi du Temps«, die Arbeit der Zeit, eine Geschichte über die Anstrengung, eine Farce aufrecht zu erhalten. Und nun geht es um die Beschreibung einer Richtung: »Vers le Sud.« Es geht nicht darum, »den Süden« zu zeigen, sondern es geht um eine Blickrichtung, eine Bewegung hin zum Süden und diese Bewegung stellt sich gleichzeitig dar als ein Begehren.

Walk the Line

Kino als Produktionsapparat ist oft zu träge für eine treffende Beschreibung der Gegenwart. Doch eine flüchtige Bewegung im Bild kann einen ganzen Film zusammenhalten oder umschreiben, eine Geste, durch die sich in einem Augenblick alles offenbart, eine Haltung, die mehr erzählt als eine Geschichte. Und mehr noch als die Ausdrucksweisen von Posen, Gesten, Dialogen oder ein Lied mögen es Momente sein in denen jemand aus dem Bild geht, rennt, flieht, eine Grenze überschreitet oder flaniert und ziellos herumspaziert, den Versuch unternimmt, durch das Gehen im Jetzt anzukommen. Wenn Bilder von Abschied und Begrüßung nicht einfach Bilder vom Gehen ersetzen, kann eine Einstellung auf einen sich entfernenden Rücken inmitten einer gängigen Spielfilmdramaturgie die Narration unterbrechen, Leerlauf zulassen oder die Richtung ändern. Gehen als ein Zustand, eine Tätigkeit, ein Für-sich-sein, das auf abstrakte Weise Erzählung bedeutet.

The Barber Trial

»In February 2004, French-Israeli filmmaker Eyal Sivan filed a libel suit in the Paris courts against philosopher Alain Finkielkraut. The previous year, Sivan, working with Palestinian filmmaker Michel Khleifi, had released Route 181: Extracts from a Palestinian-Israeli Journey—a four-and-a-half-hour travel documentary tracing what remains, in the memories of the landscape and its inhabitants, of the violent expulsion in 1947–1948 of some three-quarters of a million Palestinians from the territory that would become the state of Israel. The film had been aired on the European cultural television channel Arte in November 2003, and a few days later, on November 30, Finkielkraut was interviewed on the French Jewish radio station RJC. In the radio broadcast, Finkielkraut launched an aggressive critique of the film, arguing that its entire meaning rested on a false analogy between Israel’s 1948 war of independence and the Nazi Holocaust, that the film was a “call to murder,” that Arte was guilty of “incitement to hatred,” and that Sivan himself was representative of a “particularly painful, particularly frightening reality—Jewish anti-Semitism."« Read an introduction of the case by Eyal Weizman and Thomas Keenan on Cabinet Magazine. You also find the englisch transcript of the proceedings at the Palais de Justice, Paris.


»For me, the primary function of cinema is to make us feel that something isn't right.« (Pedro Costa)
Seit letztem Jahr gibt es in München ein neues kleines bezaubernd kompromissloses Filmfestival namens Underdox das in diesem Jahr vom 4. - 10. Oktober bereits zwei Kinos bespielen wird, nicht nur das Werkstatt Kino sondern auch das Neue Arena. Das Filmprogramm das die Kuratorinnen und Kuratoren zusammengestellt haben orientiert sich an Kritirien und Entscheidungsfindungen die alles mögliche sein mögen, nur nicht gefällig. Wer nach Titeln sucht, die er schon gehört hat wird womöglich enttäuscht, könnte jedoch einen Film Kosmos entdecken, der jenseits der üblichen Genregrenzen liegt. Und wer zurückblickt auf das Programm vom letzten Jahr wird feststellen etwas verpasst zu haben, was längst zum Kanon eines neuen digitalen Weltkinos gehört, wie z.B. Lav Diaz.

The Freakin' Truth

We are very happy to point out that Spike Lee's New Orleans requiem just arrived: »When the Levees broke«. Find below a review by CYNTHIA FUCHS, you could call her a Spike Lee expert, for PopMatters. »›We started listening to the wind,‹ says former New Orleans Police Chief Eddie Compass. ›And that sound, I’ll never forget that sound, the wind hitting the glass, at the Hyatt, and those glasses started breaking. And that’s when you saw the true power of Mother Nature.‹ It’s about 18 minutes into ›When the Levees Broke: A Requiem in Four Acts‹, and Katrina is just appearing in the streets of New Orleans. As interviewees describe their first impressions of the storm, following a sequence focused on how they ›first heard‹ about its approach in the days before it made landfall, the film shows news footage of driving rain and wind, empty streets and dark skies. It’s the start of an ordeal that continues to this day.

à la memoire...

Danièle Huillet: »Man kann Faxgeräte, Computer und so weiter haben, aber es funktioniert wirklich Nichts mehr! Sobald man eine Sache nicht selbst macht sondern delegiert, erlebt man eine organisatorische Katastrophe.« Das Gespräch mit Danièle Huillet und Jean Marie Straub anläßlich ihres Films "Von heute auf morgen" (1997) hat den bezaubernden Titel: »Eine Hexe, die eine Menge Energie verbraucht« und ist nachzulesen auf den Seiten der new filmkritik. Ausserdem ein Text zu: Danièle Huillet - Filmemacherin im Film, ebenfalls bei new filmkritik und beides haben wir Robert Bramkamp zu verdanken.

Global Discoveries on DVD

Hyperproductive filmcritic JONATHAN ROSENBAUM writes an extensive column for cinema scope about global discoveries on DVD for already some years now. He discovered a huge amount of rare, bizarre and wonderful stuff from all over the world, but also reflects on booklets, specials, film history, availability and lately Prices: »A certain confession-cum-apology regarding this column is in order. Because I have a legitimate reason for deducting the costs of the DVDs I buy from my taxes, and a no less legitimate way of requesting and receiving review copies from many DVD labels, I haven’t always been as attentive as I could be about consumer prices, especially when it comes to ordering certain things from abroad. So, by way of partial compensation, this will be a column focusing on prices...« Find below the list of his columns and the respective links.

Rummaging Through Boxes

Filmcritic Robert Cashill had a difficult task, to review a pack of DVD boxes published by Warner Bros. »The task I had been given was immediately complicated by the sheer volume of releases rushing down the pike, not one or two collections per month, but several, for all tastes. True to its scrappy roots, and its more recent history as the first distributor to embrace the decade-old format, the studio was turning up the heat, and fast. WB was rebuking, with a vengeance, its lazier Hollywood rivals, who are still content to squeeze out a vintage catalog release every few weeks or so, or milk a more modern-day hit just one more time (surely Fox's 20th Century legacy extends beyond Revenge of the Nerds: Panty Raid Edition). The largest film library in the world—which, thanks to mergers and acquisitions, contains not just Warner Bros. releases but MGM's pre-1986 titles, RKO and United Artists films, and more—has thrown open its doors, and is in unprecedented circulation.« Read more on

Is There a Balkan Cinema?

Lately one could notice an emerging interest in Balkan Cinema. As in cinema scope Tom McSorley recognizes a New wave from Slovenia and Ronald Bergan from Guardian Unlimited travelled to the Transylvania International Film Festival in Cluj/Romania »to discover the secret behind the great success of Romanian cinema in the last two years which began with the widely acclaimed The Death of Mr Lazarescu and finally, filmcritic and -theorist Andrew James Horton, Dan Georgakas and Angelike Contis did pic up the ongoing debate around the question if there is a Balkan Cinema. They have organized a Filmmakers' and Critics' Symposium and asked the same questions to several directors and ciritcs: »1) To what degree can we speak of Balkan cinema as well the cinemas of specific Balkan countries? (2) What is the single most important issue that makes the biggest professional difference in your life as a Balkan filmmaker? (3) What five Balkan films would you select for wide international distribution?« Read the answers on

Weitere Notizen zur Berliner Schule

Ein Beitrag von Cristina Nord auf den Seiten der new filmkritik. »In einer Textcollage, die das Phänomen der „Berliner Schule“ zu erfassen sucht, wurde ich einmal der Gattung der „wohlwollenden Kritikerinnen“ zugerechnet. Das ist in dem Maße richig, in dem meine ersten Begegnungen mit den Filmen von Angela Schanelec, Thomas Arslan, Christian Petzold und anderen mir ein besonderes Glück schenkten. In ihrer Konzentration auf die Form und das Bild, in ihrer narrativen Offenheit, ihrer Entschlacktheit, ihren von Naivität freien Realismusvorstellungen haben diese Filme einen Raum erschlossen, von dem aus sich das in Deutschland produzierte Kino neu wahrnehmen, neu denken ließ. In einer von Beziehungskomödien geprägten Kinolandschaft war das viel wert. Dennoch scheint es mir heute – 14 Jahre nach Schanelecs „Ich bin den Sommer über in Berlin geblieben“, elf Jahre nach Arslans „Kardesler - Geschwister“ – geboten, nicht mehr nur Wohlwollen, sondern auch leise Skepsis zu artikulieren – Skepsis gegenüber Erstarrungen, Wiederholungen, einem gewissen Manierismus vielleicht.... read more

Michelangelo Antonioni: 29. September 1912 - 30. July 2007

Die Welt ist feindlich, überall. Modernistische Villen, wütende Ozeane, baumlose Wüsten, verspielte Jugendstilkacheln und nordafrikanisches Geröll machen da keinen Unterschied. Doch gerade inmitten dieser Feindlichkeit zeigt der Mensch in seinen Trenchcoats, Stöckelschuhen, mit seinen Jeans, Sonnenbrillen und Haaren bis zum Arsch seine Würde. Einsam und schön, inmitten der toten, aber sprechenden Kulisse von Rom, London oder der petrochemischen Produktion des Po-Deltas gewinnen die Personen des Michelangelo Antonioni Konturen. Sie sprechen nicht, sie sind die Helden eines stummen Einwands gegen die "verwaltete Welt", wie man sie damals nannte. Und dieser Einwand bestand in schönen Augen und einem entschlossen verzweifelten Blick nach innen.
Dann, im Laufe der 60er, artikulierten sie sich. Sie starrten nicht mehr nach innen, sondern peilten den Horizont an. Den zeigte Antonioni - vom Flugzeug oder vom Auto aus, das einsame Wüstenpisten entlangbrettert - in "Zabriskie Point", einer Reise durch die Idee der Politisierung. Sie beginnt mit Black Panthers, führt über ein gigantisches Love-in in der Wüste und endet in der psychedelischen Apokalypse der Warenkultur, einem der stärksten Bilder jener Revolte: einer zeitlupengedehnten Explosion von Logos und Verpackungen zur Musik der frühen Pink Floyd. Kein anderer 68er-Regisseur hat die viel gefilmte Werbe- und Logokultur so zu einer fast chiliastischen Kapitalismuskritik zugespitzt: nicht Vietnam, nicht der Rassismus, nicht Repression, auch nicht "Konsumterror", wie man damals sagte, sondern: Die Ware selbst ist das Problem. Was gab es danach noch zu sagen?

Der ehrlose, tapfere Bäcker

Der Kriegsfilm als Kammerspiel: Mit "Letters from Iwo Jima", dem zweiten Teil seines Doppelfilm-Projekts, reicht Clint Eastwood die japanische Sicht auf die Endphase des Zweiten Weltkriegs nach

Wie erinnert man an einen Krieg? Sieger und Besiegte der Schlacht um Iwo Jima, die auf den Tag genau heute vor 62 Jahren im Südpazifik wütete, haben ihre je eigenen Strategien gefunden, von den Ereignissen zu erzählen. Die amerikanische Öffentlichkeit bekam ihren Sieg vor allem in Form der Rosenthal-Fotografie vom Hissen der Flagge auf Mount Suribachi präsentiert. Davon, wie diese Aufnahme und ihre Protagonisten durch den Propagandawillen der US-Regierung zur nationalen Ikone stilisiert und millionenfach reproduziert wurde, handelte Clint Eastwoods "Flags of our Fathers".

"Gewalt im Kino ertrage ich nicht"

Sein neuer Film "Rescue Dawn" läuft auf dem Münchner Filmfest: Regisseur Werner Herzog über radikale Menschenwürde und Chaos im Weltall

Herr Herzog, 1998 haben Sie den Dokumentarfilm "Little Dieter Needs to Fly" gedreht, über einen jungen Deutschen, der sich der U.S. Navy anschließt. Wann haben Sie den Entschluss gefasst, aus dem Stoff den Spielfilm "Rescue Dawn" zu machen?

Schon bei der Produktion des Dokumentarfilms - ich sage ja lieber: "ein Spielfilm in Verkleidung" - war uns klar, dass daraus ein großer Film werden muss, mit einem großen Schauspieler. Nur gab es zunächst kein Geld. "Rescue Dawn" ist entstanden, nachdem Organisation, Finanzen und Star gesichert waren.

In "Little Dieter" sagen Sie, das Besondere an einer Figur wie Dieter Dengler sei, dass er eigentlich ein ganz gewöhnlicher Mensch ist. Ist es dann nicht ein Widerspruch, ihn mit einem Star zu besetzen?

Wenn man für die große Kinoleinwand arbeitet, dann liegt es auf der Hand, dass man einen Star braucht, jemanden, der etwas ganz Großes an sich hat. Die Geschichte von Dieter Dengler ist an sich eine epische Kinogeschichte.

Ousmane Sembene: 1. Januar 1923 - 9. June 2007

I am really unable to talk about my life - I don't know my life. I've travelled a lot and this is the life that I have lived, but that doesn't mean that I know myself.« (OS)
Im Jahr 2003 präsentierte das Londoner Magazin black filmmaker den Mann mit der Pfeife im Profil und stellte die Frage „Ousmane Sembene: The World’s Greatest Filmmaker?“ Eine Frage, die einem weißen europäischen oder amerikanischen Publikum wohl kaum in den Sinne gekommen wäre, waren doch die Filme von Ousmane Sembene in vielen Ländern der Erde nicht sehr präsent gewesen seit "Borom Sarret", seinem Debut von 1963. Für ein afrikanisches Publikum mag die Frage entweder rein rhetorisch klingen oder bereits nach Ideologie. In der Tat dürfte es weltweit kaum einen Filmregisseur geben, dessen Rezeption so sehr abzuhängen scheint von der Zusammensetzung eines jeweils nationalen oder kontinentalen Publikums. Es dürfte aber auch nur wenige Künstler geben, die die unterschiedliche Rezeption so bewusst herausforderten.

An der Inhumanität arbeiten

»Was ich wollte, war Humanität in Afrika aufzuzeigen, oder besser gesagt, an der Inhumanität zu arbeiten, um die Humanität in den Vordergrund zu stellen. Wenn es um die Universalität geht, so stützt sich diese ja auf Erfahrung, auf die Möglichkeit, mit anderen Menschen etwas zu teilen. Da ich ein Mensch bin, möchte ich gerne mit anderen etwas teilen. Ich möchte keine afrikanischen Filme machen, sondern etwas universelles, eben nur einen Film.« Mahamat-Saleh Haroun im INTERVIEW mit Dominik Kamalzadeh.

Widerstand im Wunderland

Guillermo del Toros bildmächtiges Fantasy-Historiendrama "Pans Labyrinth" verknüpft ein konkretes zeitge­schichtliches Geschehen mit einer magisch-realistischen Erzählung. Fantasy gilt üblicherweise als Genre, das mit den Verwerfungen der Wirklichkeit ein allenfalls indirektes Verhältnis eingeht. Die Monstren und Fabelwesen, die es bevölkern, die hehren Kämpfe zwischen Gut und Böse, die ausgefochten werden - sie stellen im besten Fall Arsenal und Handlungsbögen von Allegorien dar, in denen am Ende jene triumphieren, die reinen Herzens sind. Die Realität sieht dagegen meist farblos aus - statt von eindeutiger Moral wird sie von vielfältigen Interessen bestimmt.

Offside: Gegen Bälle und Steine treten

Das iranische Kino hat sich immer schon stark für Fußball interessiert. Als Abbas Kiarostami 1990 in einer von einem schweren Erdbeben zerstörten Region seinen halb dokumentarischen Film "Und das Leben geht weiter" drehte, ging es darin auch um eine Fernsehantenne und die verzweifelten Bemühungen, das Finale der Fußball-Welmeisterschaft nicht zu versäumen. Text: BERT REBHANDL

Schon 1974 hatte Kiarostami in "The Traveller" die Geschichte eines Jungen erzählt, der alles unternimmt, um zu einem wichtigen Match in Teheran zu kommen - am Ende schläft er erschöpft vor dem Stadium ein, und bekommt von dem großen Ereignis nichts mit. Diese Begeisterungsfähigkeit hat Jafar Panahi nun in "Offside" aus der männlich geprägten Fankultur herausgelöst. Hier sind es einige junge Frauen, die unter allen Umständen ein Spiel der iranischen Nationalmannschaft gegen Bahrain live im Stadion sehen wollen. Bei einem Sieg konnte sich der Iran direkt für die Fußball-Weltmeisterschaft qualifizieren, die heuer in Deutschland stattfinden wird.

Hello Place, Hello Complexity

Als wären wir inmitten einer Geschichte von Hase und Igel gelandet. Während »We Feed the World« in den Kinos von Österreich Zuschauerrekorde brach, war Nikolaus Geyrhalter mit »Unser täglich Brot« noch in der Postproduktion. Und je nachdem wer später welchen Film zuerst gesehen hat, konnte meinen die Bilder flüstern zu hören: „Ich war schon da.“ Und doch waren sie kaum wieder zu erkennen. Aus einiger Distanz betrachtet, gehen die auffallend vielen österreichischen Produktionen und Co-Produktionen der letzten beiden Jahre, die von Arbeit, Nahrungsmittelproduktion, Kapitalismus und Ressourcenverschwendung handeln, ein viel versprechend konkurrierendes Verhältnis miteinander ein.

Da ist nichts definiert, da ist alles im Werden begriffen

»Da ist nichts definiert, da ist alles im Werden begriffen«
(Abbas Kiarostami)

»Ohne Zweifel sage ich zu schnell zu viel gleichzeitig. Aber so ist das mit einem Film. Ein Film ist die Simultaneität einer Abfolge: das Paradox des Kontinuierlichen.« Mit Jean-Luc Nancy, Abbas Kiarostami und dem Verleger Erich Brinkmann treffen drei Experten aufeinander, die Film als etwas begreifen, das über sich hinausweist. Also keine Nerds. Nicht an Filmkritik oder Filmanalyse ist Nancy interessiert, sondern an einer Art Transkription und die orientiert sich vom Stil her an der Flüchtigkeit von Kino, als etwas, das unaufhaltsam vorbeizieht. So erscheint auch Nancys Text erstmal als verdichtete Oberfläche und weniger als ein Ordnungssystem, um etwas in den Griff zu bekommen. Bedruckt sind die Buchseiten allein auf einem breiten Mittelstreifen, 16:9 als Text, während in der Mitte des Buches ein acht seitiges Leporello mit 62 tatsächlichen Bildern den Text von einem Gespräch des Autors mit dem Filmemacher trennt. Da wird nichts bebildert, nichts belegt. Und so esoterisch diese Produktionsweise auch anmuten mag, die Wahrnehmung auf den Text verändert sich zweifellos.

An American Family

The cover story of Vanity features the ultimative success Story of Sopranos. Alongside an interview with creator David Chase. Ten years ago, HBO bought a pilot script for a show that no one—not creator David Chase, lead actor James Gandolfini, or any of the original cast—thought would ever get made. Today, The Sopranos is perhaps the greatest pop-culture masterpiece of its day, a fearless series that has transformed television. With the story of Tony Soprano, mobster in midlife crisis, just nine episodes from a finale, the players behind the phenomenon tell how it all went down. By PETER BISKIND

The Invisible London of Dirty Pretty Things

by Ted Hovet

<1> Near the end of Stephen Frears’ Dirty Pretty Things, a film released in 2002 and set in contemporary London, three of the primary characters appear in a dank, underground parking garage to hand over an item -- which we know to be a fresh human kidney packed in an ice cooler-- to a well dressed, white Englishman. Upon paying the three a large amount of cash, the man asks, “How come I’ve never seen you people before?” Okwe, the Nigerian immigrant and protagonist of the film, responds: “Because we are the people you do not see.”

I Saw Ben Barka Get Killed

Acclaimed filmcritic und former radio producer Philip French wrote in The Observer about a clever political thriller which re-examines the 'disappearing' of a Moroccan radical in 1965. »Back in the early Sixties, when I was producing a series of radio quiz programmes featuring competing teams of students from both sides of the Atlantic, we used the same warm-up questions each time. One of them was: 'What have the following got in common - Ambrose Bierce, Colonel Henry Fawcett and Adolph Diesel?' In 13 weeks, nobody made the connection. The answer is that they all disappeared without trace in curious circumstances.
Were I to have put the same question some years later, I'd have dropped Fawcett and Diesel for Jimmy Hoffa and Mehdi Ben Barka, both of whom have been the subject of movies, the former in 1992, the latter last year in I Saw Ben Barka Get Killed (J'ai vu tue Ben Barka) which has just reached this country, though it was included in the 2005 London Film Festival. But I wonder how many students today have heard of either, though their mysterious disappearances were once the centre of local scandal and worldwide speculation.

Eine andere Form, zu publizieren

Ein Gespräch mit ENNO PATALAS über die Geschichte und Bedeutung der Kinemathek, was man im Kino lernen und wie die »Kinemathek zuhause« wieder zur öffentlichen Anlegenheit werden kann: Es begann in den 20er, 30er Jahren - in Paris mit Henri Langlois und der Cinematèque Française, in London mit dem BFI, in New York beim MoMA - mit der einfachen Idee, Filme zu sammeln und zu zeigen, die nicht mehr im Kino waren. Sehr schnell bildeten sich da zwei Tendenzen heraus: Filme sammeln, um sie zu zeigen und Filme sammeln, um sie für die Nachwelt zu sichern. Die beiden großen Gegenspieler waren da Henri Langlois in Paris und Ernest Lindgren in London. Zugespitzt konnte man sagen: Langlois würde lieber die einzige Kopie eines Films ruinieren, als sie nicht zu zeigen, und Lindgren würde eine rare Kopie nie in den Projektor tun, um sie nicht zu gefährden.

Zweite Chance für die Toten

Pedro Almodóvar hat keine Angst vor dem Tod. Fast jeder seiner Filme kommt dem Tod nahe, fordert ihn heraus, führt ihn an der Nase herum und lässt die Sphäre der Toten in die der Lebenden übergehen. In »Alles über meine Mutter« (1999) war es das Herz eines Unfalltoten, das nach einer Transplantation in einem anderen Körper weiterschlug; in »Sprich mit ihr« (2002) eine Komapatientin, die aus ihrer Erstarrung ins Leben zurückfand, nachdem ein Pfleger sie vergewaltigt und geschwängert hatte. Im jüngsten Film spielt gleich die erste Szene auf einem Friedhof. Auf Schenkelhöhe fährt die Kamera durch ein Arrangement aus Kreuzen und Grabsteinen. Witwen mit im Wind wehenden Schürzen polieren den Marmor und füllen die Blumenvasen mit Steinen, damit sie nicht umkippen. Schließlich macht die Kamera an einer Grabplatte halt. Darauf steht, leinwandfüllend, in blutroten Buchstaben, der Titel des Filmes: VOLVER (»Zurückkehren«).

The Pinky Violence Collection

The Pinky Violence Collection is a fantastic entry-point to a genre that, until very recently, was almost completely inaccessible to the Western viewer. In the 1970s, facing stiff competition from television, the Japanese film industry fought back by providing viewers with what television couldn’t – excessive sex and violence. Nikkatsu started with its Roman-Porno line of bizarre soft-core films, and Toei, in response, chose to follow a more action-oriented route. The resulting Pinky Violence films featured female heroines, and unprecedented levels of on-screen sex and violence. The closest parallel would be the blaxploitation films of the U.S., which created a similarly heady mix of eroticism, action, and social justice. Similarly, the Pinky Violence films blur the line between empowerment and exploitation. Just as blaxploitation films were among the first to star strong African-American protagonists but simultaneously traded in the crudest stereotypes possible, the Pinky Violence films depicted strong, independent female characters, while subjecting them to intensely degrading situations, and filling the screen with gratuitous nudity.

Syndicate content